Glyndebourne Festival Opera Review 2023 : les progrès du râteau

Rien de piraté dans les conceptions de Hockney dans le 12e renouveau

La production de John Cox et David Hockney de « The Rake's Progress » pour Glyndebourne peut sûrement prétendre être la mise en scène la plus ancienne du Royaume-Uni. Il a 48 ans cette saison, et sa 12ème reprise entre Festival et Tournée, sans compter les nombreux prêts de la production à des maisons de distinction internationales. Vraisemblablement, seuls certains des spectacles de Zeffirelli pour le Met pourraient rivaliser avec ce niveau de longévité.

L'ovation qui a accueilli Hockney et Cox au lever du rideau témoigne de la profonde affection que la maison et le public ont pour cette rencontre extraordinaire de disciplines artistiques dans cette production particulière. La partition caméléon de Stravinsky, les distiques glacials et pleins d'esprit de WH Auden et Chester Kallman et les images de scène grouillantes et tendues de Hockney créent cela.

Incroyablement, c'était la première production d'opéra de Hockney. Ses visions de « La Flûte enchantée » et de « Tristan et Isolde » ont depuis été acclamées ailleurs. Mais cela s'est imposé comme l'une des visions définitives du conte moral de Stravinsky, basé sur les peintures satiriques de Hogarth des années 1730, qui ancrent une grande partie du blocage et du geste de la production de Cox.

Après près de cinq décennies, le public reste encore souvent bouche bée lorsque la toile de devant se lève. Les expériences de Hockney en Amérique ont inspiré sa propre série de panneaux hogarthiens de 1961 à 1963. Malgré la surface de la pièce du XVIIIe siècle, tant en termes de respect du costume que de partition axée sur les chiffres, ses expériences renforcent le fait qu'il s'agit vraiment d'une pièce. sur la modernité consumériste. Auden et Stravinsky ont bien sûr passé beaucoup de temps aux États-Unis. Ils connaissaient les airs décadents, détachés et superficiellement sentimentaux.

Les décors et costumes gravés de Hockney pétillent de vie. Les accessoires et les meubles sont remplis de hachures énergiques. Les lignes sont audacieuses et les motifs sont géométriques. Le texte serpente ailleurs dans un contraste capricieux alors que la raison et l’imagination sont en tension. Le calcul cool est ponctué d’éclats soudains de sensualité et de comédie énergique. Par exemple, l'horloge coquine du bordel de Mother Goose, ou les manigances de Baba le Turc qui brise la vaisselle au petit-déjeuner. C'est le schéma monochrome des imprimés du XVIIIe siècle qui offre une toile de fond inquiétante alors que l'on se rapproche de plus en plus de la confrontation mortelle de Tom dans le cimetière. Les éclats de rouge et de vert sont réservés aux excès sauvages de Tom, à mesure que sa richesse et ses turpitudes augmentent. La barbe violette de Baba le Turc est une merveille. L’impression dominante est celle d’énergies puissantes et dynamiques, canalisées par des décors inclinés aux angles vifs et des lignes horizontales puissantes. À l’intérieur de tout cela se trouve l’histoire d’une ascension et d’un déclin. Le récit est aussi simple que prévu, comme on pouvait s'y attendre, à partir d'une production qui a débuté en 1975.

Il existe un risque sérieux que la conception éclipse l’opéra. Cependant, le mélange de précision, de caprice et de flamboyance de Hockney était un filtre si parfait pour l'esthétique de Stravinsky que cela a été empêché. Les images de scène étaient si puissantes et si haletantes qu'elles engendrent un changement dans la façon dont nous comprenons « The Rake's Progress » en tant que pièce de théâtre. Par exemple, le tissu du devant remplit une fonction dramatique importante. Les pauses entre les scènes, avec l'anticipation de ce qui sera révélé et montant à chaque fois, créent l'impression d'un ensemble de panneaux ou de tableaux iconographiques. Ils sont fondamentalement statiques, mais pas sans drame. Nous examinons les détails fabuleux de la même manière que nous le ferions pour les dessins animés vibrants de Hogarth. La couverture elle-même nous incite à le faire, alors que l'on se tourne, avec la maison éclairée, vers son compagnon et qu'on se moque des images saisissantes de Hockney.

On parcourt la pièce comme dans une galerie, avec le même genre de détachement que la partition de Stravinsky à l'égard de ses diverses sources lyriques, examinées avec une intelligence méticuleuse. Ceci est facilité par le blocage et les mouvements sans prétention de Cox, malgré les scènes de foule vives et déchaînées comme la vente aux enchères ou l'arrivée de Baba le Turc chez Rakewell. En bref, c’est une rencontre idéale entre le design, le texte et la musique, même si elle est moins « immersivement théâtrale » que les autres productions de l’œuvre. Ou encore les habitudes actuelles de « Personregie », plus généralement, qui recherchent l'immédiateté et l'intensité psychologiques. Il s’agit peut-être d’un coût caché.